Quell’opera non smette di far ragionare, forse di emozionare e di sfidare linguaggi. Nolan propone il suo Ulisse. Si discosta dal mito senza in realtà attualizzarlo perché alla fine fa un miscuglio della mitologia cinematografica e artistica, senza inventare nulla.

Non prestiamoci al ridicolo paragone da puristi, scandalizzandoci se Elena e Clitemnestra sono interpretate da Lupita Nyong’o un’attrice keniota, se la dea Atena è afroasiatica, se Telemaco è un bravissimo attore transgender che ne incarna la fragilità e la fiducia, se Circe sembra una gattara femminista e Calipso pare uscita da un sequel della pubblicità di J’adore di Dior. CharlizeTheron ha appena fatto la cura con Ozempic, ha balayage perfette e la sua isola è il paradiso delle bugie.

Parto da qui, da questa specie di resort vacanziero, che spezza la routine, senza curare davvero. Ulisse è un personaggio tormentato. Continua a guardarsi indietro, a rivedersi nelle mura di Troia. E’ afflitto dai sensi di colpa e dai rimorsi, è lontano da casa e si è perso. Calipso lo accudisce, intorpidendone i ricordi. Quante volte ci siamo sentiti così anche noi?

Casa è dove il cane (Argo) ti riconosce e un vecchio amico, un aedo cieco (la figura più bella del film) ti stima e aspetta di ri-conoscerti (conoscerti di nuovo).

Casa è ritrovare se stessi, perdonarsi, perdonare, accettare che il mondo cambi in sintonia con la nostra anima.

La strada per arrivarci è lunga, comprende lo sforzo di dimenticare ciò che ci fa soffrire e i fiori di loto non bastano. L’Ulisse in noi continua a rivangare il passato, è in balia degli eventi. Il protagonista del poema di Omero ha affrontato prove continue che ne hanno minato la stabilità psicofisica.

Polifemo è un ominide informe,  gigantesco, affamato. Vuole sentire le sirene mettendo alla prova i suoi limiti. I Lestrigoni sono rappresentati come giganti antropofagi pesantemente corazzati. Le procelle in mare, frutto di un Poseidone arrabbiato, sono spettacolari. Scilla e Cariddi sono un gorgo infernale. Gli uomini morti in battaglia sono moltissimi: ricompaiono dalla terra come zombi producendo una bella pagina cinematografica evocativa della notte dei morti viventi.

Ulisse affronta l’impossibile, superando esperienze e avventure che magari ricordiamo vagamente da ciò che abbiamo letto sui banchi di scuola. Attraversa queste prove ritornando continuamente con la mente a Troia. La furbizia diventa un tormento. Il cavallo di Troia non è di legno ma di bronzo e giace incastrato sulla battigia, come in un’opera metafisica di Dalì. Nolan non inventa nulla, dicevamo.

L’oblio che ci concediamo per placare traumi irrisolti non è la risposta e Ulisse, completamente perduto, dopo sette anni, abbandona Calipso e si affida a una zatterina precaria stile Cast Away. Lui che conosce rotte, venti e mari e ha sfidato l’impossibile, per salvarsi deve affidarsi alla volontà degli dei, lasciandosi guidare dalla voglia di tornare alla sua Itaca. Per ritrovarsi bisogna perdersi, per rinascere bisogna morire dentro, per capire serve il vuoto, crescere significa accettare.

Accompagnano Ulisse in tutto questo insidioso viaggio nel Mediterraneo e nella sua anima guide spirituali femminili. La donna è veramente al centro della narrazione: molte lo proteggono, lo aiutano, lo indirizzano, per arrivare alla summa dell’intelligenza femminile, il suo porto, che è Penelope: una figura di altissimo profilo. Per riaverla, Ulisse sconfigge da solo tutti i pretendenti, come in un film di Bud Spencer, per poi prendere il largo verso ovest. E’ finita un’epoca e lui ha capito che l’esilio curerà i suoi tormenti, portando nel cuore il sommo desiderio di tributare memoria e onore ai suoi uomini morti sul campo.

Il film racconta con lo stile di Nolan una parabola, che include un declino, sia sociopolitico e di visione, che intimo, attingendo a miti e leggende, fornendo ingredienti perfetti per spiegare i tormenti di un ritorno alla nostra Itaca, le scelte difficili che attraversano il nostro percorso, le paure, gli errori, e quegli sguardi rivolti al passato che vorremmo cancellare.

E’ un bel percorso anche psicanalitico fra archetipi e daimon oppure è un polpettone fantasy, ben confezionato? Questo è il dilemma che ci assale alla fine del film.

A salvare Omero c’è la poesia, che nel film latita un po’. E appaiono poco gli dei. C’è poca spiritualità e tanta muscolarità.

La risposta al dilemma può darla solo lo spettatore.

Resta vera la considerazione iniziale: è sensazionale che ancora oggi ne stiamo parlando, dopo 2800 anni.

Francesca Codazzi

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L'articolo L’Odissea di Nolan: percorso psicoanalitico fra archetipi e daimon oppure polpettone fantasy? proviene da Vittoriano Zanolli.

“H come Hotel” è un tassello di un più ampio progetto editoriale teso a coprire tutto l’alfabeto, alla base il racconto breve (100 parole): un genere letterario interessante, può sembrare superficiale, in realtà è un condensato di emozioni, obbliga chi scrive a centrare il punto, facendosi capire con poche pennellate.

Come si legge nella sinossi al libro un hotel è molto più di un luogo di passaggio: è un crocevia di vite, un teatro silenzioso dove storie diverse si sfiorano senza mai davvero incontrarsi. Tra corridoi ovattati, camere anonime e finestre che si affacciano su città sconosciute, ogni ospite porta con sé un frammento di mondo: un segreto, un desiderio, una fuga.

Questa antologia raccoglie racconti che abitano gli spazi dell’hotel e ne esplorano le possibilità narrative. C’è chi arriva per restare una notte soltanto e chi invece si perde tra le sue stanze, come in un labirinto intimo e imprevedibile. Il personale osserva, custodisce, talvolta partecipa; gli oggetti trattengono tracce invisibili; il tempo si dilata o si contrae.

Tra attese, incontri e addii, l’hotel diventa specchio dell’animo umano: un luogo sospeso dove tutto può accadere, o forse è già accaduto, lasciando dietro di sé soltanto una porta chiusa e una storia da raccontare.

Il mio hotel è un albergo in Romagna ed è un luogo di intimità profonda fra una madre e un figlio. Quindi è sì un luogo sospeso, ma non è un luogo di passaggio, quanto piuttosto un luogo in cui far rimanere delle emozioni. Mamma e figlio fissano l’eternità in un momento che ferma il tempo, lo congela, diventa il qui e ora che definisce l’infinito. Come un patto d’amore, magico e ancestrale, che si ripete, come un rituale privato.

Quando mi è stato proposto ho pensato subito che quel titolo fosse inedito e geniale, H come hotel, tante opere hanno l’albergo come tema dominante. Ho pensato subito a “Camera con vista” di E.M. Forster (1908), dove la pensione Bartolini a Firenze crea gli incontri che cambieranno la vita di Lucy. Ho poi pensato a “Shining” di Stephen King (1977), l’Overlook Hotel è il vero protagonista del romanzo. Infine, mi è rimasto nel cuore l’Hotel Dolphin che è il centro simbolico e narrativo di “Dance, dance, dance” di Murakami. Quest’ultimo libro è per me un capolavoro assoluto. Ma alla fine, nel mio immaginario ha prevalso la tenerezza del cielo in una stanza, una canzone bellissima in cui Gino Paoli riesce a trasformare in panteistico e sublime un momento squallido e sordido (è la camera di un bordello).

Ecco il mio racconto.

Un libro nel mare

«È tardi! Lascia stare i fiori… sono pieni di polvere. Prendi la chiave che saliamo. Dobbiamo vedere…».
La sola bellezza a risuonare nell’atrio era la simpatia dei gestori romagnoli.
Sotto il cuscino c’era, come ogni sera, una sorpresa.
Gli occhi di Leo si accendevano: ogni sera un libro nuovo.
Si lanciavano sul letto abbracciati e la mamma leggeva.
Quella stanza era troppo scalcinata per gli ospiti, a meno che non fossero amici accomodanti, come noi, eppure era la culla di un momento intimo, che stabiliva una connessione spirituale, fra le parole, dentro, e il mare, fuori.
L’universo intero era lì. Perfetto.
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“H come Hotel” è un’antologia di racconti (160 pagine, 20,00 euro). Il volume è disponibile per l’acquisto diretto tramite lo store ufficiale sulla pagina del Catalogo Giulio Perrone Editore.

Francesca Codazzi

L'articolo ‘H come hotel’, racconti brevi: nuova antologia proviene da Vittoriano Zanolli.

Il libro ruota intorno al tema della salvezza, tramite la ricerca di un equilibrio fra il buddismo e la cultura occidentale. Qui il meccanismo è però capovolto, vivisezionato e analizzato, da ogni angolatura, fino a individuare storture e estremismi.

Christian è un giovane che nasconde un vissuto di violenza familiare. In lui c’è un bambino ferito. La meditazione, la filosofia buddista – conosce a memoria gli insegnamenti del Dhammapada – lo curano, lo anestetizzano. Ma non vive. Finché da un ascensore in un hotel di Singapore non compare Giorgia, una hostess con gli occhi blu e i lunghi capelli biondi. Lei è terribilmente reale. Scardinerà i suoi blocchi, come una chiave che apre tutte le porte. Gli insegnerà che la sofferenza non va sedata ma guardata in faccia perché “un po’ di dolore deve restare dentro per impedirti di commettere gli stessi errori”.

La lotta interiore del protagonista lo conduce a confrontarsi, in specchi yungiani, o karmici, come preferirebbe lo scrittore, con il tema della violenza sulle donne. Scoprire l’atteggiamento predatorio di un datore di lavoro verso la dipendente subordinata, sua amica, scatena la sua rabbia, smuovendo istinti feroci lontani, mai guariti. Il protagonista teme di avere dentro un karma familiare che lo sospinge vero la stessa malata direzione. Si protegge scappando da parenti, continenti, amori, amici. Una fuga da se stesso, fra Torino, Milano e l’Oriente.

Il libro esprime grande raffinatezza psicologica, passa al microscopio emozioni, stati d’animo, traumi interiori con acume e cultura, dalle intelligenze multiple fino alla saggezza monastica zen. Poi ci sono gli scenari, contesti e città descritti con la consueta dovizia di particolari e fascino sincero. Le discipline orientali, cucina e cultura, non ricreano il vuoto, bensì riempiono d’amore, di gentilezza e pace.

È infine un libro pieno di musica, una musica legata a chi è stato giovane nella decade del 2000, senza dimenticare le suggestioni di Einaudi e di un classico intramontabile come Halluljah di Leonardo Cohen.

Alla fine vince il senso della famiglia, quella in cui il cuore trova pace, un approdo finale preceduto da tante lotte per chi cercava di fuggire da un nido che può essere dolcezza, bellezza e amore o violenza, sopruso e abbandono.

Gotto è speciale, il suo successo è meritatissimo. Ai detrattori rinnovo l’invito a provarci: scrivetelo voi un romanzo di 586 pagine così denso e pulito. Non è banale è ricco, non è Harmony zen e no, non è Fabio Volo.Ti costringe a guardarti dentro, a riflettere, a cercare vie originali per capire che la vita non è un nonsense. Ti tira dentro e se resti fuori non lo capisci.

Gotto non è per tutti.

Francesca Codazzi

L'articolo Il libro. Gotto e la commovente ricerca della salvezza proviene da Vittoriano Zanolli.

”I convitati di pietra” è un libro scorrevole, a dispetto di una scrittura coltissima e un po’ novecentesca. Si incontrano i “vieppiù”, nonché verbi pomposi: “allogare, guatare, sbuzzare, inverare eccetera” ed espressioni aulicissime, per esempio “nesci”.

Mari avrebbe vinto un premio anche nel 1956. Nasce già classico, sfoggiando un’eleganza antica, forbita, precisa, dettagliata, che sconfina nel burocratico. Resta, per decenni, l’abitudine di chiamarsi per cognome, come usa a scuola, tutto è censito in modo un po’ ragionieristico, con un’ossessione per la toponomastica. Del resto unisce i compagni un patto oscuro, dove la morte è sempre sotto traccia. E per tutta la vita, che gli ex compagni non vivono, matura l’attesa che qualcun altro tiri le cuoia, sperando nel montepremi. Lo godrà l’unico che coltiva un vero desiderio e una vera passione. Non dirò altro.

L’aridità emotiva è alleggerita dall’atteggiamento divertito dello scrittore che gioca con la morte. E il libro alla fine si addolcisce un poco. Ma occorre attraversare un muro di manipolazioni, cattiveria e rancore prima che il clima si distenda.

Il libro tiene il lettore in una morsa, in apnea e in un’atmosfera sospesa e ossessionata, che rischia il black humour, lo sfiora sempre, creando un mondo chiuso, asfittico, senza respiro.

”I convitati di pietra” è dotto, freddo e con pochi sorrisi autentici. La riffa della morte è un capolavoro di cinismo. Giocare con la morte non la esorcizza, non perpetua la spensieratezza dei banchi di scuola bensì condanna tutti a una vita senza vita vera, se non per pochissimi. Una selezione naturale, in una sorta di big brother macabro.

Lo scrittore avrebbe potuto raccontare trenta vite, tutto invece è subordinato al patto. I personaggi non maturano molto, funzionano,ma non hanno rotondità. Al centro c’è solo la riffa. E Mari è bravissimo a non perdere il filo.

Anche quest’anno lo Strega premia un bell’esercizio letterario, senza troppe emozioni.

Francesca Codazzi

L'articolo Premio Strega al bell’esercizio senza emozioni di Michele Mari proviene da Vittoriano Zanolli.

Le ragazze sono state addestrate a scrivere per immagini, dopo un percorso di scavo psicologico, dove hanno riflettuto su loro stesse e la loro visione della ”donna” che vogliono essere. Hanno avuto carta bianca e senza stravolgere il messaggio del cantautore toscano che in estrema sintesi è “non sono un duro, non sono altro che Lucio” si è trasformato nell’esigenza femminile di affermare “non sono una dura, ma voglio essere forte”. Ne emerge un’originale rilettura che spiega molto bene la necessità delle giovanissime di ritagliarsi un ruolo che, al netto delle proprie fragilità, le faccia sentire in grado di dominare il loro tempo.

Si intuisce fra i versi lo sforzo tutto adolescenziale di tirar fuori la propria capacità di autodeterminazione che serve per non soccombere alle paure, anche nelle prestazioni più quotidiane, come un’interrogazione, e fra le piccole e grandi difficoltà che la vita mette davanti, soprattutto il timore di non essere all’altezza.

”Il testo che hanno prodotto sulla metrica del brano sanremese è davvero “forte”. Non aspettatevi sdolcinature o romanticherie, non vogliono apparire deboli, svenevoli, siamo lontanissimi da quello che le donne non dicono, loro si sanno spiegare bene, dicono senza remore che la vita non è una passeggiata e vogliono cavalcarla, con coraggio. Il colore non è il rosa, bensì il nero – commentano Codazzi e Cò -. Questa esperienza che ha occupato cinque pomeriggi intensi è sfociata nella autoproduzione di un video karaoke che rispecchia infatti un cuore un po’ dark, dove le ombre, che pure esistono, fanno riflettere sull’impegno di crescere a testa alta, vincendo ansie e tribolazioni. I giovani oggi non vivono tempi facili, le ragazze hanno i loro demoni, ma con convinzione li vogliono affrontare, cercando dentro tutta la forza che serve: “le donne senza grinta sono fregature”. Aggiungiamo che le ragazze cantano bene, fra loro ci sono cantanti in erba, studiano canto e musical. Il prodotto è intenso e profondo. E’ una gioia condividerlo, vi racconterà qualcosa sulle nuove generazioni e la loro voglia di esserci”.

L'articolo ‘Volevo essere una dura’: laboratorio alla media Campi proviene da Vittoriano Zanolli.

Davanti all’efferatezza, sarà lei, in uno scatto di dignità, a lasciare la presa, per sprofondare nella depressione più devastante.

Cime tempestose torna al cinema, dopo innumerevoli trasposizioni televisive e per le sale, musical e opere e persino una canzone, Wuthering Heights. Cathy ha il volto di Margot Robbie (brava e bella) e Heathcliff quello di Jacob Elordi con lo sguardo sempre sfuggente, da animale ferito: non ho capito se mi è piaciuto.

Il capolavoro di Emily Brontë non smette di ispirare. Sceneggiato, diretto e co-prodotto da Emerald Fennell, il film è molto glamour, ambientazioni, luoghi, vestiti, case e dialoghi sono stilosissimi. E’ moderno, reinterpretato, adattato, ridotto. Rispetto al libro la trama del film sembra la riduzione fatta dall’intelligenza artificiale: è rimasto lo scheletro, adornato da un’architettura scintillante, molto scenografica, dominata dal paesaggio dello Yorkshire, la brughiera, la pioggia, gli abiti inzuppati e varie scene di sesso.

Emily si rivolta nella tomba. Insieme alle sorelle.

La concessione alla modernità è curiosa, spunta qua e là: il cellophane, occhiali da sole, script stampati sulla coperta, cenni di contemporaneità, seminati random, che ai puristi della letteratura romantica dell’800 inglese fanno venire la mosca al naso.

Gli abiti e i gioielli, tanti lustrini, strass, bigiotteria sono volgari. Del resto lo è la guerra delle convenzioni sociali di quell’epoca.

In poco tempo e poco spazio narrativo si riesce tuttavia a cogliere la psicologia dei personaggi, anche se a tratti sembrano macchiette, deformate dalla loro follia, soprattutto la cognata di Cathy, la sorella del marito Edgar. Una figura tragica, supina alla violenza che riceve: dovrebbe far piangere e invece fa ridere.

L’unico personaggio davvero potente è Nelly, la dama di compagnia e governante. E’ asiatica, anche qui chissà se Emily approverebbe. Ma tutto ruota intorno alla volontà di ridare nuova vita al classico. Da voce narrante diventa un elemento chiave perché è strettamente coinvolta nell’intrigo e nei malintesi.

Sono uscita dal cinema un po’ sbigottita. Cime tempestose è un film spiazzante, dove i confini fra bello e brutto si incontrano. L’estetica è il suo punto forte e al contempo il suo punto debole.

È un film che fa diventare pop l’eterna abbinata amore e morte.

Francesca Codazzi

L'articolo ‘Cime tempestose’ torna nelle sale, spiazza e fa discutere proviene da Vittoriano Zanolli.

L'articolo Crans Montana e il ricordo delle discotche anni ’80 interrate, anche a Cremona proviene da Vittoriano Zanolli.

I compaesani chiedono futuro e lavoro. Si mobilitano tutti, persino il vescovo e tutte le più alte maestranze. La sua casa, dove riceve seduto sul gradino della porta, mantenendosi a diffidente distanza, è luogo di un pellegrinaggio incessante. Lui è barricato nelle sue certezze, pur senza argomentarle. Il suo “no” è antropologico: è un mantra ripetitivo e laconico che diventa simbolo di una lotta vinta da Davide contro Golia. 

Il film indaga, con ironia e raffinata introspezione, il grave dramma economico e sociale di queste terre, la mancanza di opportunità e la fuga all’estero dei giovani, l’abbandono e la voglia di cambiare che si frappongono alla paura di un cambiamento che passa dal consumo di territorio alla speculazione su una terra persino più intonsa e bellissima nello sguardo risolto di un uomo seduto davanti al mare che porta in spiaggia le sue mucche a pascolare e non conosce altro. Nulla può essere più bello di quello scenario. E come dargli torto!?

Per il ruolo di Efisio Mulas è stato scelto un attore non professionista, Giuseppe Ignazio Loi, pastore ottantaquattrenne originario di Terralba. Per il ruolo della figlia, Milani si gioca di nuovo l’asso di Virginia Raffaele, che per l’occasione ha dovuto imparare il sardo. Completano il cast Aldo Baglio, un po’ troppo macchiettistico nel ruolo di mediatore, ma tutto sommato funzionale a un’opera in fondo assurda, buffa e quasi grottesca che alla fine insegna che a un certo punto bisogna fermarsi, perché esiste un limite oltre il quale non si può andare. Il mediatore scoprirà il suo e diventerà più credibile. La maschera troppo comica che però Baglio ha cucita addosso non aiuta. Completa il cast Geppy Cucciari, giudice sardo che dirimerà la questione che si concluderà nell’aula di un tribunale. 

Due parole sull’immobiliarista che nella corpulenza bonaria di Diego Abatantuono non è dipinto né come corrotto né come cattivo: alla fine quasi si persuade delle ragioni del pastore, istruito sul concetto di limite da un saggio taxista, una sorta di grillo parlante, che lo sta portando da lui. Ma l’ultima parola l’avrà la figlia dell’imprenditore: una bocconiana rampante decisa a non cedere. Chissà, la finzione cinematografica si ferma là dove finisce la storia reale. 

Il film si ispira infatti alla vicenda personale di Ovidio Marras, che ha impedito la costruzione di un resort sulla spiaggia di Capo Malfatano, vincendo la causa e facendo radere al suolo le opere già edificate intorno alla sua proprietà. 

Il film è un atto d’amore e di resistenza civile. L’atavica ostinazione del vecchio apre scenari e paesaggi interiori e sociali di incoscienza e  coraggio, di egoismo e paura, di eroismo e aggressività passiva. In mezzo c’è una società che vuole vivere e vedere il progresso ma dall’altra parte ce n’è un’altra che ha trovato la migliore espressione di sé e del mondo su quella riva, a contemplare il mare blu e la sabbia bianchissima, perché “La vita va cosi”.

Francesca Codazzi

L'articolo “La vita va così”: la Sardegna fra eroismo e incoscienza proviene da Vittoriano Zanolli.

Jane Austen, scrittrice attempata e anacronistica o sempreverde icona dell’amore romantico? Jane Austen, nel 250esimo dalla nascita è molto di più del suo mito sull’amore. Certo ci siamo innamorate e ci innamoriamo ancora con l’algido Mr Darcy, quando nel romanzo più famoso della Austen, “Orgoglio e Pregiudizio”, molla le briglie e si lancia nella dichiarazione d’amore più bella di tutti i tempi. “Ho lottato invano. E’ inutile. I miei sentimenti non possono essere repressi”. Ma l’autrice è molto di più. Inventa una scrittura ironica, fissa delle mode, crea degli stilemi narrativi, su tutti i pranzi come luogo di convivenza sociale, in cui traspaiono classi e diverse provenienze culturali, i paesaggi della brughiera bagnata dalla pioggia, i villaggi inglesi, la cortesia sociale intrisa di ipocrisia e rivalità, le visite, il matrimonio come ascensore sociale. 

Io sono pazza di Jane Austen, perché amo la letteratura inglese, e ogni soffio della sua arte per me sprigiona significati culturali che confermano la storia che ho studiato, i paesaggi che tanto ho amato, la scrittura che tanto mi piace. E non mi stanco di rileggere “Orgoglio e Pregiudizio”, né di rivedere il film, con una splendida Keira Knightley e un fantastico Donald Sutherland.

Qualche estate fa, in vacanza a Caldirola, ho trovato nella libreria dell’amica che mi ospitava l’opera omnia della romanziera britannica. Senza dubbio il romanzo più centrato è “Orgoglio e pregiudizio”, perché la storia della famiglia Bennet è unica ed Elizabeth è un’eroina senza tempo, una vera resistente. Persuasione, Emma, Ragione e Sentimento, Mansfield Park e altri sono prove meno riuscite.

Potevo dunque non restare catturata dal libro di Federica Brunini, uscito a giugno 2025, “Effetto Jane Austen”? Il romanzo è un road book nei luoghi della Austen: Steventon, Chawton, Bath, Brighton e Winchester, contesti legati alle case in cui ha vissuto, che si intrecciano alla narrazione, animata da fiere ed eventi in costume Regency, quindi carichi di folclore e magia, per ricordare i tempi e i territori dell’anima dell’indimenticata scrittrice. 

Il pretesto del viaggio nasce dal fatto che una reputata giornalista, in crisi, deve rientrare al lavoro dopo la maternità e il suo editore la spedisce a realizzare un reportage fotografico e narrativo sull’autrice britannica. Lei si sente sminuita. Ha realizzato centinaia di servizi in ogni angolo del mondo, perché ora un incarico tanto sottotono, per celebrare una romanziera che, pur non conoscendola, percepisce come lontana e obsoleta? Parte con mille remore e resistenze, quando l’incontro con una giovanissima book toker, fan della Austen, le farà capire il valore di un mito inossidabile che resiste dopo quasi trecento anni, un’autrice transgenerazionale, capace di sopravvivere soprattutto grazie all’affetto dei più giovani. Dovrà rivedere sé stessa e mettere a fuoco dei dettagli sulla vita che le stavano sfuggendo di mano. 

Il libro mantiene il tono della commedia con equivoci e sorprese, è frizzante e intelligente, mettendo a confronto due generazioni, due modi diversi di intendere il romanticismo e l’emancipazione. 

E’ anche un libro testimonianza, perché i topos austeniani vivono e sono genuinamente reali. Le celebrazioni in costume si fanno davvero. Le pagine della sua letteratura, i vestiti, le parole sono ricordate, con il senso dello spettacolo e della messinscena di cui gli inglesi sono maestri. Poche ore d’aereo ti catapultano in un mondo che non smette di affascinare.        

Nel libro traspare tutta la simpatia e la conoscenza di Brunini per il contesto britannico, già espresse in altri progetti. Giornalista, scrittrice e instancabile viaggiatrice, è fondatrice della Travel Therapy in Italia, vive con la valigia fra Milano e il mondo. 

I suoi libri sono editi da Feltrinelli. 

Francesca Codazzi

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La storia narrata in “Una questione di famiglia”, romanzo d’esordio di Claire Lynch, già celebrato in 11 paesi, approda in Italia a luglio 2025, per Fazi Editore. Non è un saggio, ma le note finali ne forniscono la lettura sociologica. Sottotraccia ci sono infatti decenni di battaglie civili, per le coppie femminili omosessuali, che negli anni 80 si vedevano negare l’affidamento dei figli. Nel 1988 Margaret Thatcher emanò l’orrenda Sezione 28 che imponeva alle autorità locali di giudicare l’omosessualità “inammissibile” come presunta relazione familiare, senza considerare le pesanti restrizioni per le professioni educative. Verrà abrogata nel 2003. Nel 2005 vengono introdotte le Unioni Civili e la legislazione a favore del matrimonio egualitario (2014), ma è solo dal 2009 che “la genitorialità può apparire nell’ipotetico futuro delle coppie LGBTQ”. 

Questi cambiamenti nella società britannica, associati allo svelamento di preziosi segreti familiari, renderanno possibile un’apertura e un ricongiungimento alla normalità, per le protagoniste di questa opera dalla prosa raffinata, diretta ed efficace. Si assapora la retrostante scrittura inglese, che con semplicità e garbo sa diventare poetica. I personaggi sono realistici, ben tratteggiati, rotondi, si evitano distinzioni manichee tra buoni e cattivi, sono semmai deboli e incapaci di lottare e farsi valere. Seguono le regole. La legalità. Il conformismo. Con tutto il dolore che porta. L’autrice, onnisciente, non semina giudizi, tratta i suoi personaggi con affetto e senso profondo della dignità, senza vittimismi o commiserazioni, consegnando al lettore una storia viva sulla genitorialità e sul significato di essere figli, sulla sessualità, sui rapporti fra generazioni e sulla crudeltà della legge, che calpesta sentimenti e valori. 

Sono pagine molto belle e interessanti, nelle quali emergono vite comuni, legami semplici, fatti di routine e di dubbi, di ferite passate e di piccole gioie quotidiane, non c’è nulla di rivoluzionario, se non la gentilezza della normalità e delle cose che accadono tutti i giorni: sembrano banali ma valgono tutto l’oro del mondo.   

Francesca Codazzi

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